Der Aufstieg des Metal in 10 Alben

Oct 30, 2023

Es würde immer mehr als Rock'n'Roll geben, als nur ein paar Akkorde. Obwohl die Anfänge des Genres gefährlich erschienen sein mögen, als Künstler wie Jerry Lee Lewis und Little Richard die Bühne erleuchteten, gab es immer Raum für andere Künstler, die Grenzen dessen auszuloten, was für die Mainstream-Kultur akzeptabel war. Das bedeutete, dass die Dinge immer härter werden würden und Bands wie Black Sabbath und Metallica den Weg für eine neue Art von Musik ebneten, die als Metal bekannt ist.

Auch wenn es damals nicht allen Künstlern bewusst war, waren ihre Platten Vorreiter für das Konzept der Metal-Musik, indem sie die Grundbausteine ​​des Rock'n'Roll aufgriffen und dem Mix viel mehr Attitüde verliehen. Obwohl sich nicht jeder der betreffenden Künstler unbedingt als Metal-Künstler im eigentlichen Sinne des Wortes identifizierte, hatten ihre Alben einen viel größeren Einfluss auf die Musikwelt insgesamt, da die Fans ihre Alben später entdeckten und Bands gründeten, die Metal werden würden tragende Säulen.

Im Laufe jedes Albums kann der Hörer auch die verschiedenen Facetten des Metals beobachten, die sich weiterentwickeln. Während einige von ihnen vielleicht als eindeutige Ableger des Blues begannen, führte die spätere Entwicklung des Genres zu einer Vielzahl unterschiedlicher Musikstile, von denen einige bis heute Bestand haben.

Obwohl Metal nicht die größte Beziehung zum Mainstream hat, verkörpert jedes Album den Geist dessen, was Metal werden würde, von den lauten Gitarren über den kreischenden Gesang bis hin zu diesem subtilen Hauch von Gefahr, der sich in den Hintergrund jedes Tracks schleicht. Rock'n'Roll hat zwar eine lange Zeit überdauert, doch in der Metal-Musik begannen die Fans, sich ihre ursprüngliche Seite anzueignen.

So allgegenwärtig Metal heutzutage auch ist, es gab lange Zeit, in dem es keinen Namen gab, mit dem man alles umschreiben konnte. Auch wenn die Songs der Rolling Stones für die damalige Zeit schwer waren, hatte Metal etwas anderes, das die aggressive Seite des Gehirns ansprach und sie zum Headbangen brachte. Und wenn es ein Album war, das den Grundstein für die gesamte Bewegung markierte, dann geschah es, als Black Sabbath sich zum ersten Mal ins Aufnahmestudio duckte.

Um zu dokumentieren, was sie live taten, pfiff Sabbath eine Handvoll ihrer klassischen Blues-Cover mit einem Gothic-Touch durch. Obwohl in jedem Track bluesige Phrasen zu finden sind, ist der Ton drastisch anders, da Tony Iommi die Brut Satans zwischen seinen Fingern freisetzt, um wahnsinnige Riffs wie den Titeltrack zu erzeugen. Die Texte befassten sich auch mit makabren Themen, wie Geezer Butler, der auf der Single „NIB“ ein von Lucifer interpretiertes Liebeslied schrieb.

Während Sabbath ratlos darüber war, eine neue Bewegung zu starten, traf ihr kompromissloser Lärmwall einen Nerv bei allen, die nach etwas etwas Ausgefallenerem als Standard-Flower Power suchten, die gleichen struppigen Haare annahmen und versuchten, ihre sechs Saiten zum Donnern zu bringen, wie es Iommis taten. Sabbath hätte problemlos eine Standard-Bluesband bleiben können, aber sie gründeten versehentlich ein neues Genre, ohne es überhaupt zu versuchen.

Die meisten der größten Rockbands beginnen mit einem ordentlichen Blues-Lick, um in Schwung zu kommen. Wenn jemand einen angehenden Rockgitarristen fragen würde, was er außerhalb von „Smoke on the Water“ als Erstes lernt, ist es normalerweise der schlichte Blues-Shuffle, der ihm ein cooles Gefühl gibt, wenn er Lieder über Liebe und Herzschmerz herausbringt. Led Zeppelin war nie so weit von den Anfängen des Blues entfernt, aber Jimmy Pages Vision führte das Genre an härtere Orte, als es noch nie zuvor war.

Auch wenn das Debüt von Zeppelin dem von Sabbath um ein Jahr vorausgeht, kann ihr Einfluss darauf, was aus Metal wird, nicht hoch genug eingeschätzt werden. Obwohl sie eine Menge akustisches Material in ihrem Arsenal hatten, gab der Klang von John Bonhams Schlagzeug, gepaart mit Pages Vokabular für Gitarrenlicks, der Welt die bizarre Version von The Yardbirds und ließ den Blues über sechsminütige Epen hinweg wie die bevorstehende Apokalypse klingen „Benommen und verwirrt“.

Der Gesang von Robert Plant war der Vorreiter mit einem wilden Schrei, der für zukünftige Metal-Legenden wie Ronnie James Dio und Bruce Dickinson zum Sinnbild dafür werden sollte, was Metal-Musik sein sollte. Zeppelin haben sich im Laufe ihrer Geschichte vielleicht nicht als Metal-Band identifiziert, aber die Klänge ihres Debüts haben den Moment eingefangen, als der Boden zu beben begann.

Aus der Steinzeit des Metals heraus waren Judas Priest einer der ersten, die das Label auf ihren Ärmeln trugen. Obwohl die meisten anderen Bands wie Deep Purple Songs spielten, die härter waren als die meisten anderen, wurden die Klänge dunkler Gitarrenriffs ohne vorherige Blues-Vorgeschichte bei Priest gefestigt und waren stolz darauf, in den 70er Jahren die Flagge zu hissen. Nachdem British Steel jahrelang ihr Handwerk auf jedem Album verfeinert hat, ist es das erste Mal, dass jedes Element ihres Sounds klickt.

Aufgenommen im selben Haus, in dem John Lennon lebte, um sein Album Imagine zu erstellen, arbeitete Priest täglich daran, ihre unheiligen Hymnen des Untergangs zu erschaffen. Abgesehen von den traditionellen Stampfer-Tracks wie „Grinder“ war dies einer der ersten Metal-Songs, die im Radio gespielt wurden, und die Fans liebten die Mitsing-Refrains bei Titeln wie „Breaking the Law“ und „Living After Midnight“.

Als Gelegenheitsfans die Platte aufschlugen, hatte die Band etwas viel Schwereres in sich und ebnete den Weg für zukünftige Ableger des Metals auf Tracks wie „Metal Gods“, komplett mit Percussion, die wie ein Robotermonster klingt, das über die Erde stampft. Die Priester hatten ihre Gemeinde zur Zeit von British Steel gegründet, nun war es an den modernen Missionaren, das Evangelium des Metalls dem Rest der Welt zu verbreiten.

Im Gefolge von Bands wie Judas Priest begann die britische Hardrock-Szene, sich Notizen zu machen. Als die Bands immer härter wurden, nahm eine starke Szene für Underground-Metal-Musik Gestalt an, wobei zukünftige Vorreiter wie Diamond Head und Angel Witch ihre ersten Hits auf dem Rücken von Priest landeten. Obwohl andere europäische Acts wie Scorpions und Def Leppard zu dieser Zeit eine Menge Hits hatten, brauchte es Iron Maiden, um Metal in einen Headbang-Lebensstil zu verwandeln.

Als die Bewegung begann, war die Ersetzung des ursprünglichen Sängers Paul Di'Anno durch Bruce Dickinson ein Kinderspiel. Dickinson verfügte über die typischen Raid-Sirenenpfeifen, die die sengenden Gitarrenriffs übertönten. Obwohl Dickinsons Stimmumfang einzigartig war, wurde dieser zum Archetyp dessen, was Sänger erreichen sollten, wobei alle anderen Metal-Bands der 80er Jahre versuchten, sich gegenseitig in den höchsten Tönen zu übertrumpfen.

Ein beeindruckender Stimmumfang ist nur bei großartigen Songs sein Geld wert, und Steve Harris‘ typischer Galopp wie „Run to the Hills“ bescherte den Fans neben epischem Material wie „Hallowed Be Thy Name“ den Adrenalinstoß ihres Lebens. Während Metal hier und da anfing, die Aufmerksamkeit des Mainstreams auf sich zu ziehen, versicherte die weltweite Übernahme von Iron Maiden jedem Schönwetter-Fan, dass Metal hier bleiben würde.

Für jeden Gelegenheitsmusikfan dürfte es eine seltsame Eingewöhnungsphase sein, sich an Metal-Musik zu gewöhnen. Bei aller Aufregung, die das Genre hervorrufen kann, gibt es immer ein paar Leute, die skeptisch gegenüber dem sind, was das Genre leisten kann, außer wahnsinnig schnelle Tempi zu spielen und aus vollem Halse zu schreien. Obwohl Van Halen diese beiden Eigenschaften in Hülle und Fülle besaß, hatte ihr Debüt etwas, das zu dieser Zeit keiner der anderen Metalheads hatte: Spaß.

Beim Anhören der ersten Van Halen-Platte erleben die Fans eine ununterbrochene Party, bei der Eddie Van Halen dank Songs wie „Eruption“ über Nacht zu einem der besten Gitarristen der Welt wird. Direkt neben ihm war David Lee Roth, der sich auf der Bühne in eine Zeichentrickfigur verwandelte, deren Charisma praktisch aus jeder Körperöffnung strömte. Nachdem die Fans die Songs gehört hatten, waren sie mehr als nur die Standard-Heavy-Metal-Meisterschaft.

Sicher, die Licks mögen höllisch intensiv gewesen sein, aber Van Halen waren immer noch ebenso Entertainer wie Metal-Götter und spielten die perfekte Musik, die man hören konnte, wenn man übers Wochenende in die Stadt ging und sich genauso viel Ärger einhandeln wollte möglich. AC/DC und Aerosmith mögen diese Art von schmierigem Hardrock in den 70ern vorgeschlagen haben, aber Van Halen waren die ersten Bands, die diese Einstellung mit halsbrecherischer Intensität verbanden.

Trotz aller großartigen Qualitäten von Van Halen war ihr Aufstieg an die Spitze ein äußerst gemischter Segen für den Metal. Als die Bands vom Sunset Strip anfingen aufzusteigen, rückten einige der oberflächlicheren Metal-Bands in den Vordergrund und brachten aus zwölf Eintagsfliegen wie Warrant eine anständige Band wie Motley Crue hervor. Allerdings ging es Metallica nie darum, gut auszusehen, und ihr drittes Album bescherte ihnen ohne eine einzige Single großen Erfolg.

Diese Metal-Maniacs aus der Bay Area sind in die Fußstapfen von Legenden wie Sabbath getreten und haben in jedem einzelnen Track von Master of Puppets ein Epos geschaffen, indem sie ein verrücktes Riff nach dem anderen gelegt haben, genau wie Ziegelsteine ​​auf einem Wolkenkratzer. Obwohl die beeindruckenden Laufzeiten des Albums einschüchternd wirkten, wurden die Songs nie langweilig, da James Hetfields Gespür für Melodien dem Hörer immer wieder neue Eindrücke verleiht, sei es der Soloabschnitt des Titelsongs oder der wahnsinnige Galopp in Richtung des sicheren Todes bei „Disposable Heroes“. '.

Während der Rest der Szene aufzuholen versuchte, tauchten einige der intensivsten Metal-Bands der Welt auf und verbanden die hektische Energie des Punkrocks mit der komplexen Struktur des Metals zu dem, was die meisten heute als Thrash bezeichnen. Metallica mag später mit „The Black Album“ zum Radio übergegangen sein, aber das hier war so rein, wie ihr Sound nur sein konnte.

Trotz all des großen Chaos-Metals, das in den 80ern herrschte, endete das Genre in den 90ern ziemlich schnell. Obwohl die Grunge-Revolution dafür verantwortlich gemacht wird, dass sie den Hair Metal in den frühen 90ern vernichtete, hatten die meisten Metal-Bands nicht so viel Glück und versuchten entweder, mit der Zeit zu gehen, oder verfolgten andere Projekte. Während Acts wie Nirvana die Charts zum Leuchten brachten, zeigte eine Band aus Texas dem Rest der Welt, wie die nächste Phase des Metals aussehen würde.

Obwohl Pantera als Glam-Metal-Band angefangen hatte, sorgte ihr Übergang zur härteren Musik mit Phil Anselmo für einige der härtesten Musik überhaupt. Trotz all der großartigen Licks von Dimebag Darrell trug Anselmos Brüllen das Album und ließ sogar einige gequälte Schreie in die hintere Hälfte des Songs „Cemetery Gates“ einfließen. Der eigentliche Wendepunkt hinter Pantera war die Art und Weise, wie es das Publikum in Bewegung brachte.

Basierend auf den Klängen von Künstlern wie ZZ Top hat fast jedes Lied auf „Cowboys From Hell“ einen seltsamen Swing, als ob eine texanische Swingband beschlossen hätte, das Genre zu wechseln. Metal hatte im Zeitalter von Soundgarden und Pearl Jam vielleicht nicht viel zu bieten, auf das man stolz sein konnte, aber Pantera hielt immer noch die Flagge hoch.

Alternative Musik war noch nie so weit vom Metal entfernt. Bei beiden Genres ging es darum, von den normalen Grenzen der Rockmusik abzuweichen, und beide nutzten laute Gitarren und innere Ängste, um die meisten ihrer frustrierten Tendenzen durch Musik zum Ausdruck zu bringen. Nachdem das Grunge-Zeitalter 1994 zu Ende ging, braute sich ein paar Meilen südlich von Seattle etwas Schwereres zusammen.

Unten in Kalifornien komponierte Korn die ersten Nu-Metal-Sounds, wobei Jonathan Davis bei Songs wie „Blind“ eine grenzwertig-atonale Kadenz besaß. Trotz all der großartigen Riffs, die hinter ihm rausgepumpt wurden, weckte Davis‘ seltsame Mischung aus Gesang, Sprechen und Rap-Gesang bei den Fans den Wunsch, ihre eigenen inneren Gefühle anzuzapfen und Songs zu kreieren, die eher im Einklang mit den verstörenden Seiten des Lebens standen als Heldentum der Metallgötter.

Korn war auch der Erste, der bis zum n-ten Grad verstimmte Gitarren einsetzte und sie auf ein unvorstellbares Maß herunterstimmte, um einen kehligen Schlag ins Gesicht zu erzeugen, wann immer ihre Riffs einsetzten. Allerdings sollte dieses Album schließlich eine Handvoll bedauerlicher Acts wie Limp Bizkit und Hollywood hervorbringen Undead, Korns Debüt, war das, was geschah, als Metalheads begannen, die tiefsten Winkel ihrer Psyche zu durchsuchen.

Eines der Markenzeichen der Metal-Musik ist, wie schockierend sie für Uneingeweihte sein kann. Als Black Sabbath anfingen, ihre ersten Lieder zu spielen, war ein Großteil des Publikums entsetzt, als sie eine Gruppe britischer Jungs sahen, die über die Wunder Satans sangen. Obwohl Sabbath es gewohnt war, dem Publikum ein oder zwei ordentliche Schocks zu versetzen, wollten Slipknot jedes Mal, wenn sie auf die Bühne gingen, Krieg auslösen.

Schon bei seiner ersten Veröffentlichung war Slipknots Debüt mit bedrohlichen Masken und rasantem Tempo ein intensives Debüt. Obwohl es in der Welt des Black Metal und Doom Metal intensivere Bands gegeben hatte, war Slipknot der Erste, der diese makabren Ideen in den Mainstream brachte, während Corey Taylor lauthals über all die Probleme schrie, die die Gesellschaft plagen, und auf den richtigen Zeitpunkt wartete um jedem Angst einzujagen, der ihm im Weg stand.

So kitschig die Masken auch hätten sein können, Slipknot setzte sich am Ende durch, wurde zum ultimativen Ventil für jugendliche Aggression auf der ganzen Welt und fand ihre Maggot-Armee, die die größten Moshpits schuf, die die Menschheit damals kannte. Der Nu-Metal hatte zwar begonnen, seinen Lauf zu nehmen, aber Slipknot brauchte keine Turntables und Scratches, um ihren Standpunkt zu verdeutlichen. Es ging darum, so viel Chaos wie möglich anzurichten.

Jede Generation von Metalheads hat eine Band, die ihnen dabei geholfen hat, in das Genre einzusteigen. Als der Nu-Metal-Trend jedoch begann, wurde diese Band etwas beschämend, da großartige Acts wie Deftones nur den Mainstream verdrängten und stattdessen lächerlichere Acts wie Limp Bizkit begünstigten. Für all die unbeholfenen Rapper, die zu Hause über ihre Probleme singen, brauchte es ein Kollektiv aus Kalifornien, um alles in Ordnung zu bringen.

Während die meisten anderen Nu-Metal-Acts guten Gesang einem Rapper opferten, verliehen Chester Bennington und Mike Shinoda Linkin Park eine einzigartige Note, indem sie die Klänge von Gesang und Schreien mit einem Flow vermischten, der gut zu tuckernden Gitarren passte. Ohne jede nennenswerte Obszönität sprach Hybrid Theory mit Legionen von Kindern, die sich zu Hause mit ihren Problemen auseinandersetzen mussten, angefangen beim Singen darüber, dass sie nicht verstanden werden, bis hin dazu, dass sie Tag für Tag ständig mit Depressionen zu kämpfen haben.

Während es Metal schon seit einiger Zeit gab, überschritt Linkin Park mit seinem Debüt Genregrenzen, erreichte auf MTV den gleichen Platz wie Boybands und brachte der Gruppe eine Diamond-Zertifizierung für ihre erste Platte ein. Während Metal einst das Gegenstück zu den Mainstream-Medien und die Brut aller bösen Dinge in der Rockmusik war, hat der Rest der Welt einen der Könige des Genres umarmt, ohne dass das neue Jahrtausend Fragen stellte.